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玩偶Labubu凭借“丑萌”的独特设计迅速风靡全球。（图源：视觉中国） 有这样一个怪诞的玩偶最近火了。它有着长长的兔子耳朵；瞪得大大的眼睛上方，挂着一对做出凶狠状的眉毛；扁圆的脸上还有一个咧到耳根的大嘴，呲着九颗尖牙；披着毛绒外套，伸出一双四根手指的手和一双鸭掌似的脚。它叫Labubu，据说把它作为礼物送人，对方会非常开心。Labubu在市面上最火的搪胶盲盒系列公开售价99元一只，重点是很难买到，线下的泡泡玛特零售店里无货，线上预约抢购也一直被秒杀。只有加价少则两百元，多则近千元，才能购得心仪的款式。在TikTok上，Labubu话题播放量已达60亿次。 Labubu是一种潮玩，也是艺术品的一种。根据定义，艺术品的创造者是艺术家，是艺术家通过智力和劳动取得的成果。同时，艺术品可以满足人们的某种审美需要和精神需要。Labubu的设计者是中国香港艺术家龙家升，他最初以画家身份，在绘本中创造了这一形象，尔后将之立体化。同时，Labubu也满足了人们的精神需要。因此，它完全可以划在艺术品的范围内。 可Labubu和传统意义上的艺术品又不太一样。 我们一般认为，艺术品应该是真善美的化身，给人带来美感。例如广告设计界有著名的“3B”原则，喜欢运用Beauty(美女)、Beast(动物)和Baby(婴儿)等元素，因为它们让人联想到可爱、纯真、唯美、自然，最容易引发审美愉悦，赢得消费者的注意和喜欢。然而Labubu从外形来看，满嘴的獠牙、大得夸张的嘴巴，不好看，不纯真，跟传统审美格格不入，因此有人“欣赏不来”。但爱不释手者也不在少数，觉得它有着又凶又拽又调皮可爱的“反差萌”，颇具标新立异的“个性”。这不禁令我想起前些年也风靡一时的“蒙奇奇”，以“小眼睛”“黑皮肤”“麻子脸”出现在大众面前，全然不是我们惯常认为可爱的大眼睛、白皮肤形象。想不到喜欢它的，也大有人在，认为它呆呆萌萌，惹人怜爱。这是艺术品出现在受众面前时再正常不过也无可避免的现象。可见，艺术没有“好”“坏”之分，只有喜欢抑或不喜欢。 抛开明星带货的“效应”、“饥饿营销”和可变奖励的心理学因素，颠覆传统美学的Labubu被追捧，是因为其给予人们在当下时代所需的精神享受和情感愉悦，而并非由于年轻观众审美降级，毕竟有太多例子可以证明，经典与传统之美在今天仍然有广泛的受众。 Labubu在外形上的不完美，拉近了和普通人的距离。这种“亲和”美学，让它有了更广泛的受众基础，特别是虏获了不少30岁左右的人群的喜爱。根据一些报告的数据显示，25岁至35岁人群占Labubu用户比例高达62%。怪诞邪魅的表情，呼应了Z世代对个性的张扬；锯齿状牙齿与圆润身体的矛盾设计，内心纯真善良的人设和外表拽酷的对比，深度契合时下流行的矛盾美学，更满足了年轻人“反叛又治愈”的情感需求。在Labubu的消费者中，65%将“情绪价值”列为购买的首要原因。情感，成为潮流艺术消费的核心诉求。年轻观众并非分辨不出美丑。他们既能拥抱经典艺术，也期许在艺术中得到心灵的抚摸和治愈，在现实生活中找到打破传统、追求个性、表达情感、释放压力的途径。这些都是艺术契合现代人情感表达的鲜活案例。 但是，一时走红并不等于长盛不衰。单靠在特定时代下满足一部分群体的精神娱乐，不足以使这件艺术品得以传承。有多少想当年风靡一时的潮流艺术，今天却少有人问津，多年前满大街的流氓兔、Pucca，早被打入冷宫，年轻人听到这些名字都不知所云。又有多少曾经人人都会哼上两句的网络口水歌，而今让人根本想不起旋律。可见，流行的不一定是有文化内涵的。有一些艺术品承载的是流行文化，流行文化有时效性，过了风口，下一波或许就轮不上了。一些艺术品中的流行元素，在当时看来前卫时尚，过段时间便会让人觉得“土”“落伍”。时代不同，审美偏好很难预测，推崇的个性发生了更迭，情感的诉求也在随之改变。那些仅仅迎合某一时期受众的艺术品大多也会被淘汰。已经有迹象表明，Labubu的热度正在开始降温。 要想长盛不衰，其背后必须要有文化和思想的支撑。这种文化底蕴，越是深厚越好，这种思想，越是全人类普遍共有的越好。“魔童”哪吒大概率会继续火下去，因为它为我们展示的是全人类的共同价值：即便身为魔王转世依然不为命运左右，顽强拼搏对抗，完成自我构建。波普艺术、浮世绘，在它们诞生的时代，都是所谓的潮流艺术，但直到今天还是魅力不减。前者有洞察社会价值观变化和对消费文化深刻思考的意义，后者有着强大的东方传统文化、美学和技艺的加持。再比如，不同时代的流行歌曲也有不少成为经典，至今依然在传唱。其歌词内容大多离不开亲情、友情、爱情，这些放之四海而皆准的情感价值。 不久前笔者在微博上曾看到一位作家称赞美术片《金猴降妖》中白骨精变身美艳村姑的桥段。这一段长达两分半的“单人”表演，融合舞蹈动作、戏曲元素、音效配合，无比精致动人。白骨精的身姿和动态，有敦煌飞天舞的特色，极其灵动飘逸，可柔可刚，变幻莫测。其创造出的幽暗、神秘、恐怖又奇幻的氛围，包裹着传统文化、东方韵味，让不同年代，不同年龄的人都惊叹其艺术性。又如《大闹天宫》中孙悟空的桃心脸，也在此后的各类艺术作品中得以延续。 给予人们情感愉悦，是艺术品的价值或者说功能之一。2022年甘肃省博物馆文创部发售的一款“马踏飞燕”毛绒玩具，把原本严肃的镇馆之宝铜奔马变成了一个丑萌的绿马，踩在小鸟身上，贱贱的表情，让人忍俊不禁，消解了生活的压力，舒缓了紧绷的神经，实现了艺术品的这一价值，受到众人追捧。然而仅仅停留在上述情感愉悦的层面，不但不能使艺术品长盛不衰，还可能会走向“娱乐至死”的误区。 美国媒体文化研究者、批判家尼尔·波兹曼在《娱乐至死》一书中，已经提醒过我们，警惕电视声像媒介带来的脱离语境、肤浅、碎化的现象，这在艺术品中同样适用。“绿马”就是将艺术品娱乐化的一种。虽说它的蓝本是马踏飞燕，但实际上完全脱离了母体的艺术语境，没有文化的直接支撑，也缺乏艺术性。时下Labubu流行，除了有人看重它带来的情绪价值，也不乏大量跟风者的“无脑”追捧，当艺术品异化为流行文化符号，那么人们对其艺术性的关注或也消失殆尽了。另一方面，虽然这些“潮玩”被标榜用来张扬个性，但仔细想想这反而是个性的丧失。因为它虽看似多元，却并没有跳出一元性的局限，无非是换个颜色，改套行头罢了。 对于那些为精神解压而生的艺术品，我们不应否定，但它们如果想要延续长久的艺术生命，还需注入文化和思想的内核。 (作者为上海大学影视美术系副系主任、副教授，上海市文艺评论家协会会员）

中国动画肇始于20世纪20年代。其中，蕴藏民族文化基因的神话一次次被动画重述，《铁扇公主》《大闹天宫》《宝莲灯》《西游记之大圣归来》《中国奇谭》《哪吒之魔童闹海》……这些新神话动画经典构成了中国百年动画史的一块块里程碑，彰显出中国一代代动画人始终立于时代需求，根于传统文化，笃于艺术创新，成就了中国风格与中国气派的历久弥新。 商业动画是20世纪上半叶中国民族电影工业中动画电影的主要类型。杨左匋、黄文农、秦立凡及万氏兄弟等中国早期动画家在1922年至1926年间推出一批“突梯滑稽”“新颖可噱”的商业动画短片，赢得国内（特别是上海）和海外观众的交口赞叹，是中国早期民族电影工业中的一道风景线。 20世纪30年代，抗日烽火改变了中国动画的发展形状，中国动画人朝着两个方向谋求发展图存，一是投身动画抗战短片的宣传动员，二是探索动画商业长片的民族化表达。代表20世纪40年代乃至20世纪上半叶中国商业动画最高水平的《铁扇公主》（万氏兄弟，联合影业公司，1941）就产生于这样复杂的时代环境中。《铁扇公主》是世界第四部动画长片。这部动画借《西游记》“三借芭蕉扇”的故事，“以唐僧等四人路阻火焰山，以示人生途径中之磨难。则必须坚持信念，大众一心，始能获得此扑灭凶焰之芭蕉扇”来召唤国人团结抗日。该片在艺术上博采众长，既吸纳迪士尼动画的身体变形、戏谑片段、歌舞表演等技巧，也融入中国传统艺术的造型、动作、场景和音效，它把时代性和民族性结合起来，获得了艺术性和商业性的双丰收，产生了跨国界、跨时代影响。 1957年，遵循“百花齐放、百家争鸣”方针，上海美术电影制片厂改组建立。在“探民族形式之路，敲喜剧风格之门”的口号下，该厂的动画创作者从造型质感、影像风格、身体游戏三个层面独创了中国式的动画美学，形成了在世界动画之林独树一帜的中国动画学派。 在造型质感上，中国动画家突破单线平涂的西方动画传统，积极借鉴剪纸、折纸、窗花、皮影戏等人民喜闻乐见的传统艺术，兼收并蓄壁画、年画等绘画艺术的线条色彩，构成中国动画在动画媒介美学上的创新景观。尤其是水墨元素的融入，给动画带来了独特的笔墨情趣。如《小蝌蚪找妈妈》里，小鸡身体的毛茸茸，对虾被水纹折叠后的游态，金鱼似透明似肉感的尾巴，鲇鱼缩下石头时的黏糊糊的头部……让法国《世界报》如是称赞：“中国水墨画，画的景色柔和，笔调细致，以及表示忧虑、犹豫和快乐的动作，使这部影片产生魅力和诗意。” 在影像风格上，有的作品追求民间艺术装饰厚朴的趣味，如《渔童》；有的作品呈现京剧艺术唱念做打的铿锵，如《骄傲的将军》；还有作品展现了传统美术游目骋怀的气韵，如《山水情》……它们在人物形象、动作姿态、语言腔调、场景空间、镜头节奏中铺展开来，营构着中国动画的审美律动与生命情志。进入1980年代，中国动画影像风格更加多元，唯美而温情的《雪孩子》、将传统艺术意趣和现代美学趣味交汇起来的《三个和尚》、融合西方电影观念与现代造型艺术的《三十六个字》等，进一步丰富了中国动画的民族化探索。 在身体游戏上，中国早期动画曾模仿迪士尼动画风格的动作夸张与身体变形，但当传统戏曲、民间故事、神话传说等被引入动画，动画身体随之应物象形，出现了《小鲤鱼跳龙门》里的童稚、《草原英雄小姐妹》里的写实、《蝴蝶泉》里的静美、《天书奇谭》里的谐趣。 《大闹天宫》应当说是这个时期民族化造型质感、影像风格、身体游戏的集大成者。这部动画长片用重彩装饰、民间版画、戏曲造型建构起宏阔的中国神话宇宙，把英雄的乐观主义演绎为英雄史诗的崇高美学。它闪耀着的斗争光芒激发着大众的生命活力，“孩儿们操练起来”“俺老孙来也”的大圣话语至今流行。 中国动画历经1990年代转型发展的低谷期，进入21世纪后，开始迎来动画产业的爆发式增长，屡次出现现象级作品。新世纪中国动画电影最具影响力的类型片当属重述神话作品，其中佼佼者有《西游记之大圣归来》《大鱼海棠》《哪吒之魔童降世》《哪吒之魔童闹海》。这些作品直面全球动画发展格局，兼顾商业与文化价值，体现出从“儿童向”朝“合家欢”“青年向”拓展的趋势。 在主题表达上，新神话动画从鸿篇巨制的神话原著中截取片段，重构为大圣“归来”、魔童“降世”、哪吒“重生”、白蛇“缘起”、青蛇“劫起”等英雄传奇。其叙事语法鲜明：一方面，以小叙事的视角切入，让年轻英雄怀着被误解、被排挤的心结开始成长；另一方面，呈现大叙事的视野，将主人公的成长置身于一个正义与非正义、个体与环境相互冲撞的时空背景中，着力表现他们身上的理想主义情怀，彰显出平等、独立、自由的现代精神。 在影像风格上，新神话动画沿袭奇观化模式，但又有别于欧美奇幻风格，而是用传统文化元素重组、混搭出东方奇幻唯美时空，强化观影的沉浸感。《大鱼海棠》印证了东方奇幻美学的市场成功，它撷取《逍遥游》《山海经》《搜神记》等中国上古神话元素来架构世界观，融合先蚕圣母嫘祖、火神祝融、雨神赤松子、土神后土、春神句芒、秋神蓐收、神鸟帝江以及貔貅、白泽、鯥等神兽，形成唯美奇幻的东方宇宙。此后，三星堆青铜人、山河社稷图、玄鸟、归墟、蓬莱、瀛洲、方壶、敦煌飞天等文化符号，成为新神话动画的美学标识。《新神榜：哪吒重生》还另辟蹊径地尝试“东方朋克”，创造瑰奇炫丽的意象与场景。 新世纪以来的新神话动画立足中国式现代化的民族性表达，以现代启蒙精神为体，以东方奇幻美学为用，以电影工业的精良制作大大提升产业品格，呼应着当代观众的时代情绪与审美需求。 如今，中国动画呈现出蓬勃生机，迎来前所未有的发展机遇，不仅形成了动画作品受众细分、题材丰富、风格多元的“百花齐放”格局，还在制作技术、生产机制上步入快速迭代、高度协作的创新发展轨道。如光线传媒和追光动画等，从前期的项目筹备、剧本创作、角色设计、场景搭建，到中期的动画制作、特效合成，再到后期的剪辑、配音、调色等环节，都实现了以全流程数字化生产模式为支撑的高度工业化。其中最为关键的是，中国动画产业通过数字技术组织生产要素、吸纳创新元素、包容试错机制，在生产数据库、标准工艺包、风险控制模型等领域，形成了基于知识共享的产业共同体。中国动画开始从离散创作向协作生产的范式转换，实现了从个体经验驱动向集体创新驱动的历史跨越。 中国影史首部票房破百亿的《哪吒之魔童闹海》正是上述发展模式的结晶。在制作环节，它集合全国138家制作公司、4000余名动画人，开展“驻场”合作的新模式。各参与主体在模块化分工中形成技术互补，有的专精角色建模，有的突破流体动力学模拟，有的创新粒子渲染技术。这种分布式协同并非简单外包，而是通过统一的技术标准和艺术风格管控，形成以超算中心为算力基座、以IP为价值节点的分布式生产网络协作。这种工业化协作模式打破了传统动画作坊式封闭生产，不仅提升制作效率，更通过标准化角色资产库的建立，实现了创作资源的可复用、可迭代、可优化配置，标志着中国动画电影从代工模式转向技术主权掌控。在宣发环节，得益于数字化社交平台，《哪吒之魔童闹海》不仅重构票房预测模型，使大数据算法推荐机制与观影者的审美期待形成正反馈循环，而且使宣发流程下沉到对受众二创的关注，将这些分布式、交互式、聚合式的再生产行动汇聚成为集体协作浪潮。 《哪吒之魔童闹海》代表的中国动画产业数字化集成生产模式，根植于市场逻辑、立基于制作技术、达成于宣发传播，它使技术创新不再单纯地服务于动画视效奇观、从属于资本逻辑支配下的工业标准化生产，而是以尊重个体意识、触发文化认同、支撑协同行动的技术伦理，助力中国动画在新时代“讲好的故事”和“把故事讲好”，走出数字人文驱动的创新之路。 （作者系西华大学美术与设计学院教授）

第三十届上海电视节白玉兰奖花落各家。话题“出圈”、攀上“热搜”的不仅有沉甸甸的获奖名单，还有获奖者的真挚感言。 “通过饰演张桂梅老师，让我知道了信仰、信念、信心在任何时候都特别重要”。获得最佳女主角奖的演员宋佳感慨，演员要有“创作的能力”，“有能力成就一部作品，有能力成就一个角色”“用作品走进观众内心”。 “不注水”“有营养”“有力量”……社交平台上，观众对这段感言给出高度评价。共鸣的背后，是观众对好作品、好演员的赞赏与期待。 好作品与好演员相互成就，创作的能力既包括塑造好一个角色，也包括编剧、导演、摄影、录音、美术方方面面。 好作品都不是一蹴而就的。创作上好走的路，往往是“套路”和“老路”。创作的能力，表现为不吝惜下笨功夫，按照艺术自身的规律去创作。获得评委会大奖、最佳男主角奖的电视剧《西北岁月》，全景式呈现波澜壮阔的西北革命史，全剧400余个角色，包括了300多位历史人物，11位编剧参与的剧本，在开机前打磨了6年。 “似曾相识”不可能出“爆款”。在激烈的注意力争夺中，在观众审美的不断变化中，“老配方”的边际效应不断递减。唯有创新，才是出路。斩获“最佳中国电视剧”“最佳摄影”“第三十届上海电视节国际传播奖电视剧”3项荣誉的《我的阿勒泰》，只有8集篇幅，由散文集改编而来。与一些改编自大IP、动辄数十集的剧集相比，这部剧并不是一个有经济效益的选择。但这条新路，主创蹚出来了。 “圈地自萌”也捧不出好演技。一则网友评论说：“转发感言并不因为我是你的粉丝，而是因为你踏踏实实创作了一部好作品。”好演技自会“出圈”，创作的能力是演员最好的名片。宋佳高挑的外形与张桂梅本人差别很大，但她用自己的创造力演绎出了丰满生动、令人信服的艺术形象。这说明，塑造人物的关键不在于一比一地“复刻”，而是一颗心对另一颗心的无限靠近。演员真正走进人物的精神世界，才能把握住人物独一无二的精气神，才能让观众相信和认可。 演员靠什么赢得关注，作品凭什么留住观众？本届白玉兰奖给出答案。风吹不倒根深的大树，全力以赴，心无旁骛，对创作始终葆有朴素的情感，对观众始终抱有敬畏的态度，过硬的创作能力会赢得大流量，好作品、好演员终不会被埋没。